10 Artiști Contemporani Filipinieni De A Cunoaște
Grayground
vândut pentru 1,1 milioane de dolari. Picturile și sculpturile lui Ventura prezintă mai multe straturi de imagini și stiluri, simbolice ale identității naționale multilaterale a Filipinelor - o țară care, de-a lungul istoriei, a fost colonizată de Statele Unite, Spania și Japonia. Lucrarea lui Ventura întruchipează complexitatea culturii postcoloniale prin juxtapunerea de motive orientale și orientale; cultura înaltă și joasă; tradiție și progres; trecut și prezent Alfredo și Isabel Aquilizan Ducele soțului și soției Alfredo și Isabel Aquilizan au emigrat în Australia în 2006 - un eveniment care a devenit integrat în practicile lor artistice. Lucrarea lor vorbeste despre comunitate, experienta personala, memorie si deplasare, alaturi de afectiunile emotionale si psihologice ale migratiei. Aquilizanii folosesc adesea obiecte semnificative din punct de vedere cultural ca metafore ale "experienței trăite". În 2006, au expus
Proiectul care aparține: În tranzit
la Bienala din Sydney; făcute cu cutii tradiționale balikbayan folosite de filipinezii pentru a-și expedia obiectele din întreaga lume, instalarea a evocat călătoria cuplului în Australia. Această lucrare a evoluat în Proiectul O altă țară: Adresa (2008), din conținutul a 140 balikbayan cutii, fiecare ambalată cu grijă și curate cu obiecte personale. Acvilizanții au produs mai multe lucrări care implică comunitatea locală, folosesc materiale donate și care creează instalații complexe din obiecte de importanță. Mark Salvatus Temele de urbanism și politica de zi cu zi sunt esențiale pentru lucrarea artistului multidisciplinar Mark Salvatus de asemenea, co-fondator al grupurilor locale de artă stradală Pilipinas Street Plan și 98B Collaboratory. Inspirând din peisajul urban, din cultura populară și din mass-media, Salvatus descrie experiența contemporană, atât în filipinele sale natale, cât și în locurile în care călătorește. Salvatus face legături între comunități interculturale, reprezentate în
Haiku
(2013) - o proiecție video a graffiti pe care artistul a fotografiat-o în timpul călătoriilor sale în Japonia, New York, Australia și Indonezia. Legăturile video leagă oamenii și culturile altruice, pentru a crea un dialog global. În anul 2014, artistul a prezentat Latitudes la Centrul Cultural din Filipine - o serie de trei lucrări dedicate problemelor socio-politice legate de resursele solului, aerului și apei Gary-Ross Pastrana Obiectele familiare sunt deconstruite dincolo de recunoaștere în lucrările conceptuale ale lui Gary-Ross Pastrana până la punctul în care acestea moștenesc o nouă formă, semnificație și funcție. Pastrana este interesată de consecințele transformării fizicității unui obiect, observând cum se schimbă conotația acestuia.
Set Fire to Free
(2002) explorează dacă un obiect își poate păstra "lucrurile" dacă este rupt. Pastrana a distrus o scară, arzând o parte din rămășițele și creând o pasăre din cenușa ei. Pentru Two Rings (2008), artistul a topit două inele ale mamei sale și le-a modelat într-un obiect ca o sabie pentru a investiga dacă această transformare fizică ar schimba sentimentalitatea sau valoarea materialului. Pastrana a concluzionat că valoarea monetară nu s-ar pierde, dar mai semnificativ, valoarea lor sentimentală se mărește pe măsură ce proprietățile inelelor se îmbină. Pastrana reconfigurează realitatea pentru a dezvălui adevărul unui obiect. Gary-Ross Pastrana, Untitled (Horizon), 2014. Colaj. | Datorită imaginii artistului și a lui Silverlens. José Santos III
José Santos III a provocat mult percepția despre "viața de zi cu zi". În lucrările sale timpurii, Santos a pictat scenele hiperrealiste și compozițiile suprarealiste, de vis. Artistul multimedia a dezvoltat un stil criptic, lăsând munca lui deschisă la interpretare. El continuă să exploreze o fascinație a obiectelor într-un efort de a-și dezvălui istoria, ascunzând simultan percepția privitorului asupra familiei. În
²hide
(2014), și expoziție la Pearl Lam Galleries, Santos a expus un nou corp de lucru cu obiecte de zi cu zi îmbibate cu noi înțelesuri. Obiectele neobservate sunt adesea plasate în lumina reflectoarelor, repoziționate pentru a crea o experiență nouă. Santos evocă o apreciere reînnoită pentru ascunse, arătându-ne măsura în care luăm obiecte în viața de zi cu zi. Costantino Zicarelli Costantino Zicarelli este un auto-proclamat "muzician nereușit" și artist graffiti a cărui lucrări reflectă istoria dronului de metal, a black metalului, și tot ce se întâmplă rock. Lucrările și expozițiile sale sunt adesea inspirate de versurile cântecului, cum ar fi spectacolul său de la Silverlens din 2013, intitulat alb ca lumina lunii, alb ca os, întunecat ca șarpele, la fel de întunecat ca tronul . Explorând "partea întunecată" a culturii popurilor, desenele gri de grafit ale lui Zicarelli dezvăluie imagini de cranii, păduri întunecate, încuietori agățate de încurcături, bile disco, chitare distorsionate, stele de rock moarte și embleme de tatuaj. Artistul explică faptul că practica sa este mai puțin despre a fi un grup, și mai mult despre prezentarea unei părți mai puțin haotice a industriei. Expoziția sa din anul 2014
Praful de bărbați
a fost inspirată de munca și estetica imaginii lui Stanley Kubrick 2001: O Odisee Spațială. Din imagini de sacrificiu până la dezintegrare, această expoziție a prezentat fragilitatea eternă Costantino Zicarelli, "Până când lumina ne ia VI", 2013. Grafitul pe hârtie. | Frumusetea artistului si a lui Silverlens Norberto Roldan Fondatorul de artisti negri din Asia - un grup bazat pe filipinezi, axat pe practica artistica progresiva din punct de vedere social si politic - si Proiectele de arta verde Papaya, Norberto Roldan , și probleme culturale. Asamblarea sa de texte, imagini și obiecte găsite ia în considerare experiența trăită a vieții cotidiene din Filipine, alături de istoria complexă a țării și de memoria colectivă. Roldan pune un accent deosebit pe obiectele istorice și pe capacitatea lor de a păstra semnificația odată ce acestea sunt aruncate și uitate, întrebând dacă un obiect este inerent sentimental sau exclusiv înzestrat cu semnificație. Asociația sa intitulată În căutarea timpului pierdut 1/2/3/4
(2010) a fost inspirată de apartamentul lui Hitler din Berlin, care se presupunea că este incongruent cu natura dictatorului megalomaniec. Lucrarea pune în discuție felul în care obiectele reflectă cine suntem.
Începutul istoriei și strategiile fatale
(2011) a fost inspirat de eseul lui Jean Baudrillard intitulat "Sfârșitul istoriei și înțelesului" pe care filosoful susține că globalizarea a precipitat dizolvarea istoriei și prăbușirea progresului. Fiecare lucrare este o colecție de obiecte vechi afișate în dulapuri, reamintind un trecut care este fabricat printr-o încercare de a crea un sentiment de ordine din amintirile uitate. Norberto Roldan, "Sacred Is The New Profane 1", (diptych) 2010. Asamblarea cu obiecte găsite. 24 x 48 țoli. | Imagine fidelă de artist și Lightbombs Contemporary Louie Cordero Lucrările multimedia bogate în ornamente și adesea grotești-umorite ale lui Louie Cordero îmbină tradițiile indigene, catolicismul spaniol și cultura pop americană pentru a exprima o lungă istorie de tensiune. Compozițiile sale colorate vibrează de la estetica filmelor de groază, muzică heavy metal, benzi desenate, folclor și viața stradală, care se ocupă de problemele care decurg din trecutul colonial al artistului și de educația catolică. La Bienala din Singapore din 2011, Cordero a prezentat o instalare multimedia deranjantă intitulată My We , inspirată de asasinatele recente ale unor oameni nevinovați care au cântat pe
My Way
al lui Frank Sinatra în barurile din jurul Filipinelor. Instalația a prezentat o multitudine de figuri din fibră de sticlă înțepată peste tot corpul, cu părți ale corpului rupte. În fundal, o instalare video a proiectat cântecul fatal al lui Sinatra pentru a crea o recreere aventuroasă a evenimentelor macabre.
Rodel Tapaya Folosind temele memoriei și istoriei, Rodel Tapaya împletește realitatea contemporană cu narațiunile folclorice într-un tablou inspirat vibrant de folktales și de istorie pre-colonială. Tortul lui Kabunian, numit, dar nu poate fi numit (2010), ia câștigat premiul pentru semnatura 2011. Pictura afișată la cea de-a zecea bienală Gwangju în 2014 și acum adăpostită în colecția Tiroche De Leon, oferă imagini din folclorul filipinez, care îmbină nenorociri multiple și diverse referințe alegorii, de la figura caninului central la miturile de origine și alte creaturi. Tapaya avertizează împotriva lăcomiei umane și a distrugerii mediului. În aceeași ordine de idei, Mountain Fantasies
(2012) se referă la pericolele legate de supra-exploatare și importanța conservării naturii. Pictura atrage influența legendelor filipineze, cum ar fi frumoasa zeiță de pădure Maria Makiling care protejează pădurile și spiritele care cultivă puieți în care au murit copaci vechi. Activitatea lui Tapaya servește ca o critică a ritmului umanității spre progres în detrimentul lumii din jurul nostru.
Martha Atienza Născută într-o mamă olandeză și un tată filipinez, Martha Atienza sa mutat între Filipine și Țările de Jos viata si fondul ei mixt se reflecta in munca sa video. Undeva între imaginație și înțelegere, lucrarea ei este un studiu sociologic al mediului ei. Atienza este interesată de investigarea potențialului artei contemporane ca instrument de instituire a schimbărilor sociale. Împreună cu Rodel Tapaya, ea a fost printre finaliștii pentru Premiul de artă asiatic suveran 2013/2014, unde și-a prezentat operele de muncă nelimitate pe mare . Instalarea video aduce un omagiu istoriei voiajelor oceanice, inspirată de trecutul tatălui său ca căpitan de mare. Cu un film în mișcare al lumii refractat printr-un pahar de apă și însoțit de sunetul oceanului, această lucrare captează iluzia apelor în mișcare și sugerează un sentiment de halucinație adus de izolarea unei vieți pe mare.
