10 Artiști Contemporani Japonezi Care Știu
Chiho Aoshima
Un membru al compania de producție de artă Kaikai Kiki și mișcarea Superflat (ambele fondate de legendarul artist japonez Takashi Murakami), Chiho Aoshima este cea mai cunoscută pentru creaturile și peisajele sale fantastice ur pop. Un autodidact care a început să lucreze cu arta grafică în fabrica lui Murakami, Aoshima creează niște chipuri suprarealiste locuite de fantome, demoni, tinere și elemente ale naturii. Lucrările sale de artă sunt, de obicei, pe scară largă și imprimate pe hârtie cu materiale cum ar fi piele și plastic, pentru textura. În 2006, Aoshima a produs City Glow, Mountain Whisper (2006) la Gloucester Road din Londra, ca parte a Art on the Underground, unde 17 arcuri de platformă succesive au creat un peisaj magic care sa transformat treptat din zi în noapte, urban la rural. Lucrarea a descris lumea utopică a lui Aoshima în care timpul este suspendat, iar creaturile organice sunt una cu lucruri altminteri neînsuflețite.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota este un artist de performanță și instalare care creează instalații vizuale specifice la nivel de sit. Centrul practicii sale sunt teme de memorie și uitare, visuri și realitate, trecut și prezent și confruntarea cu anxietatea. Cele mai celebrale sale lucrări sunt benzi impenetrabile de fir negru care cuprind o varietate de obiecte casnice, personale și de zi cu zi, cum ar fi scaune vechi, un pian ars, o rochie de mireasă și, uneori, artistul însuși. Labirintul memoriei (2012) cuprinde o serie de rochii înghițite de firul negru omniprezent prezent în multe dintre lucrările sale. Aceste rochii sunt concepute ca o "a doua piele", atat pentru turnarea, cat si pentru strangerea corpului. Omniprezența firelor negre are rolul de a descrie și de a impune această relație exactă. În vara anului 2014, Shiota a instalat Perspectives (2004), realizat cu mai mult de 300 de pantofi donați, însoțiți de note scrise de mână de la fiecare donator, confesionând o memorie personală. Shiota a conectat apoi încălțămintea cu un șir de fire roșii, fiecare suspendată de același cârlig. Shiota a reprezentat Japonia la a 56-a Bienala din Veneția în 2015, iar prima sa expoziție la Blain Southern, Berlin, care a fost deschisă în timpul Săptămânii artei din Berlin în 2016, a provocat o senzație.
Perspective: Chiharu Shiota | © Amanjeev / Flickr
Ei Arakawa
Ei Arakawa este inspirat de stările de schimbare, perioadele de instabilitate, accidente fericite și elemente de risc. Piesele și instalațiile sale de performanță implică teme de colectivitate, prietenie, simultaneitate și improvizație. Activitatea lui Arakawa este aproape întotdeauna colaborativă și se angajează cu elementul artistic al spectacolului social - de la producție la distrugere. Sensibilitatea sa artistică este informată de o condiție performativă, nedeterminată, "pretutindeni, dar nicăieri". Opera sa apare în locuri neașteptate la nivel internațional, multiplicând procesele colaborative. În 2013, lucrările sale au fost expuse în "Kamikaze Loggia" (Pavilionul Georgian) la Bienala de la Veneția și într-un studiu al artei contemporane japoneze intitulat "Roppongi Crossing" la Muzeul de Artă Mori. Instalarea lui Hawaiian Presence (2014) a fost un proiect colaborativ cu artistul din New York, Carissa Rodriguez, pentru Bienala de la Whitney din 2014. La Frieze London, în 2014, Arakawa și fratele său Tomoo, care lucrau ca duo sub numele "United Brothers", au prezentat o lucrare de interpretare intitulată în care perechea a oferit supă vizitatorilor, făcute reputațional cu rădăcini daikon "radioactive" ale lui Fukushima. Koki Tanaka Artistul Anului 2015 al Deutsche Bank, abordarea vizuală a lui Koki Tanaka explorează comunitatea și o experiență comună a creativității și imaginației, încurajând schimbul între participanți, în timp ce pledează pentru noi reguli de colaborare. Instalarea sa la Pavilionul Japonia din Bienala Bienalei din 2013 a constat într-un video cu obiecte care transformau Pavilionul într-o platformă de partajare artistică. Videoclipurile și instalațiile lui Tanaka explorează relația dintre obiecte și acțiuni, înregistrând simple gesturi efectuate cu obiecte de zi cu zi, cum ar fi un cuțit de tăiat legume, bere turnată într-un pahar și deschiderea unei umbrele. Nimic de magnitudine nu se întâmplă în aceste filme, totuși repetarea compulsivă și atenția la detaliile minute obligă privitorul să aprecieze lumea.
Mariko Mori
Mariko Mori creează lucrări multimedia în domeniul filmului, fotografiei, noului media și artei de instalare. Ea exprimă o viziune minimalistă, futuristă, prin forme subțiri, suprarealiste. O temă recurentă în lucrarea lui Mori este juxtapunerea mitologiei estice cu cultura occidentală, așa cum se vede în imaginile ei cu straturi digitale. Mori a venit la proeminență cu
UFO Oval
, care a debutat la Kunsthaus Bregenz, Austria în 2003. Ulterior, această piesă a călătorit în New York și a fost ulterior inclusă în Bienala de la Veneția din 2005. În 2010, Mori a înființat Fundația Faou, o organizație educațională și culturală nonprofit, prin care a dedicat o serie de instalații artistice permanente, specifice domeniului, pentru a onora cele șase continente locuibile. Cel mai recent, o instalatie permanenta intitulata Inel: Unul cu Natura a fost instalata pe o cascada pitoreasca la Visconde Mauá din Resende, nu departe de Rio de Janerio Mariko Mori, , 2013. Lucrați cu sprijinul Espace Louis Vuitton Tokyo | © Ryooki Ikeda Ryoji Ikeda este un nou artist de muzică și de muzică, a cărui activitate se ocupă în primul rând de sunet într-o varietate de state "crude" - de la sine la zgomot - folosind frecvențe la marginea gama auditivă umană. Performanțele sale și instalațiile imersive cuprind sunete generate de calculator care se transformă vizual în proiecții video sau modele digitale. Activitatea audiovizuală a lui Ikeda folosește scara, lumina, umbra, volumul, umbra, sunetele electronice și ritmul pentru a inunda simțurile. Modelul de test al lui Ikeda
[nr.5]
cuprinde cinci proiectoare care iluminează un spațiu de pardoseală de aproximativ 28 de metri și o lățime de opt metri. Instalația convertește datele (text, sunete, fotografii și filme) în coduri de bare și modele binare de zero și unul. Evenimentul lui Ikeda include și o serie de spectacole de noapte, cum ar fi
datamatics [ver.2.0] , o versiune actualizată a unui concert audiovizual pe care la prezentat în mai multe locații din întreaga lume începând din 2006, începând cu Zero1, San Jose, California, pentru ISEA 2006. Ikeda examinează și aplică metode matematice și științifice pentru a modela muzica, timpul și spațiul, creând experiențe fascinante. El explorează sunetul și viziunea, deconstruind proprietățile fizice pentru a dezvălui relațiile complexe implicate în percepția umană. În cele din urmă, Ikeda testează potențialele extreme ale tehnologiei digitale, provocând pragurile de percepție. Takashi Murakami Takashi Murakami este unul dintre cei mai iconitori artisti contemporani din Japonia. De la picturi la sculpturi de mari dimensiuni și colaborări de modă, opera lui Murakami este influențată de manga și anime. Fondator al mișcării Superflat și al colectivului de artiști Kaikai Kiki, Murakami a dezvoltat și susținut carierele multor contemporani. Termenul "superflat" descrie atât caracteristicile estetice ale tradiției artistice japoneze, cât și natura culturii și a societății japoneze de după război. Tradiția a lăsat o moștenire a imaginii plate, bidimensionale, cu accent pe planurile plane de culoare, care a fost re-elaborată în cultura contemporană prin manga și anime. Japonia postbelică a cunoscut, de asemenea, o "aplatizare" a diferențelor în clasa socială și gustul popular. Practica lui Murakami implică reambalarea elementelor care sunt de obicei considerate "scăzute" sau subculturale și prezentându-le pe piețele de artă "de mare" de modă și artă. Lui provocator
Cowboy-ul meu
(1998) sa vândut la Sotheby's New York pentru un record record de 15,2 milioane de dolari în 2008. În plus față de opera sa de artă, Murakami a colaborat cu Marc Jacobs, Louis Vuitton și Issey Miyake. Tatsuo Miyajima este un artist sculptor și instalator a cărui lucrări extrem de tehnologice folosesc materiale contemporane, cum ar fi circuite electrice, video și computere, centrate pe utilizarea dispozitivelor gadget din anii '80. Concepțiile artistice ale lui Miyajima se inspiră din ideile umaniste și învățăturile budiste. Contoarele de LED-uri din instalațiile sale intermitent continuă să repete între 1 și 9, simbolizând călătoria de la viață la moarte, dar evitând finalitatea, care este reprezentată de 0 și nu apare niciodată în lucrarea sa. Numerele sale tot mai prezente, prezentate în grile, turnuri și circuite, își exprimă interesul pentru ideile de continuitate, conexiune, eternitate și fluxul de timp și spațiu. Cel mai recent, lucrarea lui Miyajima intitulată Arrow of Time a fost prezentată în expoziția inaugurală a lui Met Breuer,
Neterminat: Gânduri stânga vizibile
în New York City 藍色 地平線| Cu o carieră uluitoare de șapte decenii, Yayoi Kusama a explorat domeniile picturii, desenului, colajului, sculpturii, performanței, filmului, tipăririi, instalării și artei mediului înconjurător, în timp ce Yayoi Kusama precum și literatură, modă și design de produs. Kusama a dezvoltat un stil deosebit de distinctiv al artei polka punctate, care a devenit de atunci marcă comercială. Astfel de viziuni iluzorii sunt, pentru Kusama, produsul halucinațiilor pe care le-a experimentat încă din copilărie, în care lumea pare a fi acoperită de forme proliferative. Kusama a acoperit camere întregi cu puncte colorate și oglinzi "infinite" care reflectă nesfârșită forme de lumină colorate. Yayoi Kusama, după epuizarea obliterației eternității [Installation view], 2009 | © Yoshitomo Nara Yoshitomo Nara creează picturi, sculpturi și desene ce descriu semnătura copiilor și câinilor cu ochi mari - subiecte care încearcă să surprindă un sentiment de plictiseală și frustrare asemănător copilului și recucerind fermă independență naturală pentru copii. Rememorând ilustrațiile tradiționale ale cărților, estetica sa prezintă o tensiune neliniștită, parțial influențată de dragostea Narkei de punk rock. Titlul lucrărilor sale este o dovadă a acestui fapt, de la Fata cu cuțitul în partea ei
(1991) până la
Violența tăcută
(1998),
> (1 ) și
Nu există nimic
(2000). În 2011, Muzeul Societății Asiei din New York a organizat prima sa expoziție solo întitulată Yoshitomo Nara: Nobody's Fool , care cuprinde o muncă care acoperă cariera artistului de 20 de ani. Lucrările de spectacol au fost strâns legate de sensibilitățile subculturilor de tineret din întreaga lume, concentrându-se pe teme de alienare și rebeliune, în special în ceea ce privește muzica rock și punk. Pup King - Yoshitomo Nara + graf | © sprklg / Flickr
