8 Trebuie Să Vezi Tablouri La Musée D'Orsay
O înmormântare la Ornans (1849), Gustave Courbet
Realitatea franceză din secolul al XIX-lea, Gustave Courbet a căutat să se mute în pictura departe de ceea ce el a văzut ca fiind un academism elitist al unor artiști români precum Jacques-Louis David, Eugène Delacroix și Jean-Auguste-Dominique Ingres. Courbet dorea să creeze o estetică nouă, socială, bazată pe lumea materială și care monumentalizează clasa țărănească unidealizată. Dimensiunea pură impunătoare a O Înmormântare la Ornani este o declarație de intenție; pentru prima dată în istorie, săracii au fost frontul și centrul - un privilegiu acordat exclusiv figurilor bogate și clasice. Pictura subtilă se referă la secularizarea în creștere a Franței la vremea respectivă, cu clerici descriși ca caricaturi brutale, cu spatele lor transformat în Hristos, care pare aparent neobservat de cei care sunt plini de înjurătăți.
Gustave Courbet - O înmormântare la Ornans - Google Art Project 2 | © Proiectul de artă Google / WikiCommons
Bal de Moulin de la Galette (1876), Pierre-Auguste Renoir
În timp ce picturile lui Courbet urmăreau să aducă țărănimea artistică, Bal de Moulin de Pierre-Auguste Renoir la Galette a capturat cultura cafelei înfloritoare și clasa burgheziei, care a trecut prin Paris în anii 1870. După anii 1850 și 1860, când Baron Haussmann a reamenajat capitala franceză dintr-un oraș medieval îngrozit, într-un oraș modern cu bulevarde largi, spații deschise și clădiri uniforme, Parisul a devenit un centru urban pentru artiști, scriitori și o clasă hedonistă de bogați petrecăreți. Pictura lui Renoir surprinde vibranța acestui nou Paris - un oraș în care oamenii se pot bucura cu ușurință de o zi, dancing și băut cu prietenii lor. Această lucrare oferă o perspectivă uimitoare asupra modei și spiritului veacului, o reprezentare iconică a acestui oraș plin de viață, romantic.
Auguste Renoir - Dance la Le Moulin de la Galette - Musée d'Orsay RF 2739 (lucrare derivată - Editarea AutoContrast în spațiul LCH) © WikiCommons
Cina la minge (1879), Edgar Degas
O pictura foarte mica si in nici un caz una dintre cele mai faimoase lucrari ale lui Degas la d'Orsay, Cina la minge este o piesă uimitoare și nuanțată de comentariu social. La prima impresie, această imagine pare să aibă multe în comun cu Bal de Moulin ale lui Renoir ca o imagine a societății în joc descrisă în culori vii, dar pare a fi mai degrabă un avertisment decât o sărbătoare a burghezului status-quo. Într-un mediu de decadență, plin de candelabre, costume scumpe și rochii bogate în decorațiuni aurite și roșii, cifrele sunt reduse la un nivel de anonimat complet fără chip și fără chip. Tehnica încețoșată evocă nu numai energia camerei, ci sugerează un fel de tranziție și ideea că nimic nu este stabil sau are propria sa identitate individuală în această lume materialistă. Trebuie sa fim atenti, Degas pare sa spuna, sa nu-si schimbe individualitatea pentru o viata de opulenta si exces.
Olimpia (1863), Edouard Manet
Una dintre cele mai controversate picturi ale secolului, Edouard Manet's Olimpia critici uimiți când a fost prima dată expusă în 1863. Provocând tradiția nudului clasic idealizat, Manet și-a forțat spectatorii să privească o femeie contemporană "reală". Olympia este o prostituată, fericită și mândră de nuditate, privindu-se direct la spectator - în contradicție cu convenția artistică a femeilor ca paragone pasive de frumusețe. Manet a încercat nu numai să se desprindă de precedent, ci și să sublinieze ironia modernizării nou-înființate a Parisului atunci când societatea înaltă nu putea încă să palida eliberarea sexuală și afirmarea de sine a femeilor. Criticii au încălcat conținutul tematic al picturii, precum și stilul artistului, pe care l-au considerat prea simplist cu o compoziție defectuoasă.
Studiul lui Bazille, (1870) Frédéric Bazille
Tendințele legate de rolurile tradiționale de gen au devenit din ce în ce mai răspândite pe măsură ce secolul al XIX-lea a progresat, iar studioul lui Bazille de la Frédéric Bazille subliniază în mod eficient diferența dintre bărbați și femei în lumea artei timp. Pictura descrie un grup de bărbați - probabil prietenii artiștilor - observând, vorbind și analizând, cu figuri nudice, singura prezență feminină în lucrare. Aceste muse nu sunt altceva decât simbolice - prinse în scenele lor pastorale, doar pentru a fi obiectivate și evaluate, în mod voyeurist, de intelectualii de sex masculin din tablou. Frédéric Bazille - Studioul lui Bazille - Google Art Project | © cAF7KPVs5G2guA la Institutul Cultural Google / WikiCommons
Cardplayerii (1890-1895), Paul Cézanne
Una dintre cele mai multe tablouri care ilustrează cărțile pe care Paul Cézanne le-a produs la începutul anilor 1890,
Cardplayerii una dintre cele mai durabile opere ale epocii post-impresioniste. Cézanne, ca și Courbet în fața lui, a căutat să sărbătorească membrii comuni ai țărănimii care și-au populat Provența nativă. Cu toate acestea, nu este interesat de realism, Cézanne îi descrie figurile prin brushstrokes largi, saturate cu tonuri de pământ ca portocalele și maro pentru a transmite căldura acestei regiuni și a locuitorilor săi. Departe de metropola agitată din Paris, Cézanne dorea ca arta sa provincială să reprezinte stabilitatea și armonie considerată a fi prezente în viața arhaică. Jucătorii de cărți - Paul Cezanne | © //www.the-athenaeum.org/art/full.php?ID=6371/WikICommons
London, Case ale Parlamentului (1904), Claude Monet
În timp ce Claude Monet este cel mai bine asociat cu imagini care descriu Parisul și peisajul rural francez, casele Parlamentului din Londra au făcut obiectul unor lucrări cele mai convingătoare ale artistului în ultimii săi ani. Un pionier impresionist, Monet a respins accentul tradițional al preciziei în artă; mai degrabă, el a căutat să surprindă esența unui moment, cum ar fi tăierea soarelui prin ceață. În concordanță cu tehnologia în devenire a fotografiilor, Monet a simțit că picturile ar trebui să deseneze lumea într-un mod care niciodată nu putea fi făcută vreodată de camera.
Londra, Casele Parlamentului este un exemplar arhetipal strălucit al stilului impresionist pe care Monet la stăpânit utilizările de roșii și portocale subevaluate contrastează cu blues mai întunecat și cu silueta neagră a clădirilor Parlamentului pentru a crea acest aer de lumină solară care apare în ceață. Claude Monet 015 | ©
Autoportretul
(1889), Vincent Van Gogh Autoportretul
al lui Vincent Van Gogh este unul dintre 40 de picturi pe care artistul le-a produs în cariera sa scurtă. După ce sa mutat la Paris în 1886 și a învățat din lucrările contemporanilor impresioniști, Van Gogh a îmbinat aceste influențe cu cele ale artei japoneze de lemn, cum ar fi ukiyo-e , pentru a crea un stil delicat și fluid. Totuși, pentru Van Gogh, aceste autoportrete au fost mai mult decât un proces de experimentare artistică și de auto-promovare - au fost o încercare de a înțelege "eul" coerent, care a fost în mod deosebit îngrădit de lupta pe termen lung cu depresia maniacală. Boala lui își bântuie persistent munca; Van Gogh, cu un ochi deschis, cu părul înfricoșat, este puternic incongruent cu brushstrokes-urile pline de bucurie care constituie fundalul - poate sugerând sentimentele artistului de disconfort și înstrăinare din împrejurimile sale. Vincent van Gogh - Autoportret - Google Art Project | © 9gFw_1Vou2CkwQ la Institutul Cultural Google / WikiCommons Musée d'Orsay, 1 Rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris +33 1 4049 4814. Deschis zilnic între 9:30 și 18:00, joi până la ora 21:45, închis luni. € 12, € 9 concesii, sub 18 ani și membri.
